Crée par Ariane Mnouchkine et le théâtre du soleil en 2005 (voir à ce sujet le magnifique documentaire de Duccio Bellugi Vannuccini « un soleil à Kaboul ou plutôt deux »), le théâtre aftaab vient au théâtre du soleil présenter « le Tartuffe » de Molière ainsi que « le cercle de craie caucasien » de Brecht.

 

Le Tartuffe est mis en scène par Hélène Cinque, ancienne comédienne du soleil, et reprend assez fidèlement le travail d’Ariane sur cette même pièce.

 

On retrouve l’énorme Madame Pernelle grimée et grimaçante, l’esthétique orientale… Et si on retrouve également le bruit de la manifestation islamiste à l’arrivée de Tartuffe, ce n’est plus un groupement islamiste mais catholique qui apparaît. Le désir de monter cette pièce à Kaboul est évident et nécessaire, Tartuffe catholique apparaît comme une précaution et une distance légitime.

C’est en tout cas un superbe travail que ces comédiens nous livrent.

 

« Le cercle de craie caucasien » est cette fois mis en scène par Arash Abasalan, comédien Iranien.

 

Des maladresses, de l’approximation et de l’emphase assez pesante mais tout cela disparaît derrière l’inventivité, l’amour du théâtre et surtout la grande générosité de ces comédiens. Arash Abasalan nous livre une lecture tout à fait juste de Brecht, ce qui est de plus en plus rare en occident. Dans cette pièce le peuple prend le pouvoir, un intellectuel est nommé juge et doit décider le sort d’un enfant. Savoir si l’enfant doit retrouver sa mère naturelle où rester avec celle qui l’a élevé n’est pas le plus important. S’interroger sur les compétences du juge, s’interroger sur la justice, son fonctionnement… c’est déjà plus intéressant.

 

Ses deux pièces amorcent la constitution d’un répertoire politique et vitale, transmis sur la scène avec exubérance, vitalité et générosité.

 

 

 

LE TARTUFFE

 

Auteur : Molière
Artistes : Sayed Mahmood Sharifi, Naser Khan, Mostafai, Fatima Mohammad Hakim, Ahmad Khalid, Ghulam Raza, Wahidullah Gulistani, Mohammad Aref, Ahmad Shafiq, Mohd Haroon Amanullah, Abdul Saboor Aiasuddin, Said Asif, Ahmad Seear, Omid Mahmood Shah, Shakaba M.Dawod, Sayed Ahmad Ashimi, Farid Ahmad Gul Ahmad, Wahidullah Mahbobi , Haroon Noori, Said Mortaza, Mohd Taher
Metteur en scène : : Hélène Cinque

 

LE CERCLE DE CRAIE CAUCASIEN

 

Auteur : Bertolt Brecht
Artistes : Absalan Abolghassem Hossein, Sayed Mahmood Sharifi, Naser Khan, Mostafai, Fatima Mohammad Hakim, Ahmad Khalid, Ghulam Raza, Wahidullah Gulistani, Mohammad Aref, Ahmad Shafiq, Mohd Haroon Amanullah, Abdul Saboor Aiasuddin, Said Asif, Ahmad Seear, Omid Mahmood Shah, Shakaba M.Dawod, Sayed Ahmad Ashimi, Farid Ahmad Gul Ahmad, Wahidullah Mahbobi , Haroon Noori, Said Mortaza,, Mohd Taher
Metteur en scène : : Arash Absalan

 

 

Sur scène un cadre, une sorte de grande télévision diffusant vidéos et prouesses techniques, boîte à image ou castelet pour adultes dans lequel l’unique comédien Yves Jacques restitue quelque chose d’Andersen.

Interprétant plusieurs personnages, Yves Jacques nous conte les tribulations d’un librettiste québécois à Paris cherchant à écrire un opéra pour enfant adapté d’un conte d’Andersen pour l’opéra garnier.

La vidéo est habile, le comédien parfait, la technique impeccable.
Mise en abîme savoureuse du conte : le librettiste racontant ses aventures parisiennes, le conte la dryade d’Andersen se jouant en alternance, l’administrateur de l’opéra contant l’ombre d’Andersen à son enfant.
Le conte de l’administrateur est peut-être le point fort de ce spectacle parce que joué grâce aux subtilités d’une simple lampe.

C’est assez jubilatoire le fait que ce moment soit plus magique et réussi que toute la débauche numérique présente à côté.

Comique et agréable, ce spectacle communique un peu de la magie d’Andersen, ça n’est pas rien.

 

conception et mise en scène
Robert Lepage

interprétation
Yves Jacques

musiques
Donizetti,
Grieg,
Sarah McLachlan,
Offenbach

collaboration à l’écriture
Peder Bjurman,
Marie Gignac

collaboration à la conception
scénographique
Jean Le Bourdais

collaboration à la conception des éclairages
Nicolas Marois

conception sonore
Jean-Sébastien Côté

conception des costumes
Catherine Higgins

 

Ce nouveau spectacle de Jean-François Peyret en collaboration avec Françoise Balibar et Alain Prochiantz aurait pu s’appeler Galilée-Matériau.

 

Un commentaire de « la vie de Galilée » de Brecht comme aurait pu le faire Heiner Müller.

 

Scénographie abstraite de Nicky Rieti et formalisme de l’espace mais à l’intérieur duquel tout peut arriver de façon aléatoire.

Des danseuses mettent en mouvement la pensée mathématique de Galilée, Olivier Perrier la commente, Jeanne Balibar fait sienne les lettres de Virginia à Galilée son père, Frédéric Kunze semble être le technicien des événements et Bibi la truie vient bien sûr comme élément aléatoire.

 

Pas aussi simple et décidément Jean-François Peyret n’a pas oublié son travail sur Heiner Müller.

Hétérogénéité du discours, dissociation du discours et de l’image, distance et dérision… Tout ceci provoque un trouble chez le spectateur, une étrangeté, un inconnu qui nous charme ou non.

 

Un trouble qui se déplace en fonction du sens. Par exemple Bibi essayant de manger un chou : image se donnant comme aléatoire, comme perturbante pour le discours et l’espace. Avant dernière action du spectacle : Bibi essayant de manger une boule en bois. Même action que précédemment mais le trouble n’est plus le même, image violente de l’animalité humaine pour ne pas dire de l’église.

 

Avant cela la scène du cardinal condamnant les propos de Galilée rappelant le début du « Arturo Ui » de Brecht mis en scène justement par Heiner Müller. L’être humain ne parle plus mais cri et grogne exactement comme Bibi.

 

Intelligent et troublant ce Galilée-Matériau donne à réfléchir.   

 

 

 

« La parole est cet amour qui s’incarne dans l’oralité sous la forme d’une promesse »

(Olivier Py, Epître aux jeunes acteurs pour que soit rendue la Parole à la Parole, Actes Sud-Papiers (apprendre), 2000, p.29.)

 

Une table où on se maquille côté jardin, un escabeau, un panneau noir. Et surtout cette lampe allumée, cette servante qui veille le théâtre éteint, cette signature du metteur en scène et auteur.      

 

Cette pièce/conférence est une adresse aux acteurs du conservatoire national supérieur d’art dramatique. Un Epître soit l'adresse, la parole prenant sa source dans le Christ. La parole entendue qui peut te sauver, te dire qui tu es.

 

Un Epître, soit la parole mystique du théâtre s’incarnant sur le bois même du drame à travers John Arnold et Samuel Churin. Cette leçon de théâtre mêle plainte émue et autodérision, le discours tenu défend le théâtre face au vide intellectuel, le théâtre qui affirme la totalité du monde, le théâtre qui ne dit que « dit moi comment tu parles et je te dirais qui tu es ». On reconnaît cette parole argileuse comme incarnation de l’homme : grande vertu du théâtre.

 

Jouissance du verbe, jouir par la bouche, la parole se donne au spectateur avec sa puissance fragile et tremblante. Une promesse malheureusement de plus en plus rare et donc de plus en plus nécessaire face au gouffre médiatique et à la perte de l’individu et de la culture.    

 

Ce texte, peut-être un des plus réussi de son auteur, date de 2000. Depuis Olivier Py a écrit une nouvelle leçon de théâtre « illusions comiques » qui se veut plus facile, plus spectaculaire et certainement moins efficace que ce spectacle intime et superbe.  

 

Texte et mise en scène de Olivier Py

Avec John Arnold et Samuel Churin

Décor, costumes et maquillages : Pierre André Weitz

Lumières : Olivier Py

 

 

 

Mise en exergue de la présence (humaine).

 

Apparition/Disparition de ces corps forcément singuliers.

 

Manipulation de l’espace sonore/électrique en fonction des corps et de leurs évolutions/torsions/immobilités.

 

Corps nus. Corps en costumes. Corps en attentes. Corps en déplacements.

 

Texte et mise en scène de Thomas Ferrand et extraits d’entretiens avec Bernard Stiegler.

 

Thomas Ferrand crée en 2002 la compagnie Projet Libéral.

 

« Projet Libéral » sur le mur de fond.

 

Présence Libéral. Présence non-directive. Présent. Etre là.

 

Virginie Vaillant verse un liquide rouge sur une machine à laver. Elle souffle sur le liquide qui lentement coule sur la porte de la machine. Elle s’écroule brusquement sur la machine et reste immobile un temps. Plusieurs noirs et plusieurs dispositions de ce corps dans sa mise en image mortuaire.

Thomas Ferrand a certainement vu P.#06 Paris de Romeo Castellucci où c’est un policier qui verse du liquide rouge sur le cou d’un autre policier allongé sur une machine à laver. Le premier policier pose un couteau sur le liquide, lève le bras et attend quelques secondes pour que l’image se fasse. Mise en exergue de l’incarnation. Procédé eucharistique où l’objet change dans sa substance. Une définition possible du théâtre, c’est ça ce spectacle, une possible définition du théâtre.

 

10 min proches de la fin : Antonin Ménard communique au micro, voix transformée, et parle du théâtre justement. Parle de l’avenir de la fiction au théâtre, parle d’Auschwitz… Temps peut-être inutile, peut-être trop évident, mais pourquoi pas. Rejeter le passé et son traumatisme pour s’inscrire dans la présence présente et ses débordements, ses saturations.

 

Un spectacle effectivement proche de la vacuité. Ivresse et Tragique de cette approche. ABSOLUE NECESSITE de ces moments aujourd’hui vu la gueule de cet aujourd’hui. La mise en danger du corps, de la présence, de la singularité de l’artiste. Sa disparition, c’est bien ce que veut le gouvernement actuel.

 

« Une société qui n’arrive plus à produire de singularité n’a plus d’avenir. » Bernard Stiegler.

 

C’est ça ce spectacle : l’affirmation de l’absolue nécessité de la production de singularités aujourd’hui maintenant pour ne pas sombrer dans le vide le plus inhumain et le plus médiatique. 

 

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