Papperlapapp, spectacle de Christophe Marthaler et Anna Viebrock, festival d'Avignon 2010.

L'artiste associé à ce festival 2010, Christophe Marthaler, investit pour la première fois la cour d'honneur du palais des papes avec son théâtre, son temps si particulier. Il est tout de suite important de préciser que ce spectacle fut créé pour la cour d'honneur et qu'il ne tournera pas.

Un mot sur le temps chez Marthaler : suspendu très certainement, dans l'attente de se déplier, brisé également ou plutôt secoué, finalement le mot juste serait sans doute joué ; Marthaler se joue du temps et joue avec le temps.

La scénographie d'Anna Viebrock multiplie les détails, les espaces, les mélancolies ou plutôt les déjà vus. Ainsi plusieurs revêtements de sol composent, s'imbriquent sur le plateau ; des lampadaires sortent des fenêtres ; des sorties d'air conditionné sont accrochées à la façade de la cour, une aire d'atterrissage d'hôpital se trouve à jardin, un confessionnal, des machines à laver empilées à cour ; des fenêtres en PVC... A la fois la scénographie d'Anna Viebrock fourmille de détails, se veut dense et complexe ; à la fois elle se confond intelligemment avec le lieu : sans être péjoratif je dirais qu'elle est intelligemment banale. Banale en cela qu'elle donne à voir un puzzle de lieux avignonais ou non, mais confondus dans un quotidien légèrement daté.

Anna Viebrock donne également à voir à Avignon une exposition de ses maquettes qu'elle intitule "Miroirs du réel" : ce titre résume parfaitement ce rapport au quotidien doublé d'une volonté de ramasser les choses en un même point, un même aplat qui a également la faculté de troubler les formes qu'il réfléchit.

"Papperlapapp" commence par l'irruption d'un groupe de touriste, guidé par un aveugle qui tatonne avec sa canne et montre le palais, divers objets... Nous sommes tout de suite invité à un monde faux et fabriqué de toute pièce, les informations qui nous sont rapportés sont inexactes : le palais des papes est présenté comme étant le palais de justice de Bruxelles... C'est donc déjà une écoute particulière pour ce groupe qui avance dans l'incertitude de son temps, guidé à l'aveugle et donc moins guidé que déplacé sans cesse entre cour et jardin. Se déplacer dans le regard de l'aveugle c'est se confronter à une incompréhension de mise et à un mensonge ou plutôt à une tentative de s'établir des vérités qui fonctionneront en repères avant de disparaître dans la vacuité. Les acteurs de Marthaler attendent et s'établissent des repères simples et souvent fantaisistes dans le sens où justement cela échappe à une logique qui serait vérité admise. Un comédien tourne un sachet de thé, assis à une table. Il fait cela peut-être pendant une demi-heure, peut-être plus. C'est un repère temporel parfait pour le spectateur, d'autant qu'il se rapproche du pendule, mais qui ne cache pas sa vacuité revendiquée. Ces situations, parce qu'elles se décalent du réel, amènent un humour que l'on retrouve dans l'écriture de Lewis Carroll ou le cinéma de Tati par exemple.

Ainsi les acteurs de Marthaler se singularisent dans ces attentes, ces temps que l'on étire ; et se retrouvent sur le chant. L'espace que présente Marthaler est fait sur ce temps, ces évènements absurdes où on se déplace sans comprendre, où on agit sans comprendre mais où on se retrouve pour chanter ; et cela suffit. On ne comprend pas ce qui se passe mais le fait de pouvoir se retrouver ensemble sur quelque chose suffit à avancer même si c'est à l'aveugle.

Avec cette utilisation du temps, Marthaler convoque les fantômes du passé, le passé qui se présente comme plusieurs puzzles mélangés et explose sur scène, la traverse et s'y imprime. Ainsi vers la fin de "Papperlapapp", les acteurs chantent une partie du Requiem de Mozart contre la façade de la cour d'honneur et regagnent le confessionnal un peu plus tard ; nous entendons alors un chant enregistré, semblant venir du palais lui-même. La cour d'honneur est un lieu unique et travaille une mémoire incroyable du théâtre, on s'y souvient, on y oubli, on y déforme un vécu partagé par centaines de spectateurs. Le moment dont je parlais interroge, à mon sens, cette mémoire.

Je trouve alors qu'il s'agissait d'un spectacle extrêmement précieux, sensible à une écoute qui se devait d'être attentive quant à un temps que l'on prend et que l'on donne à apprécier. Face aux réactions violentes du public, il semblerait que le temps qu'un metteur en scène prend au théâtre - et c'est là l'un des gestes premiers (au théâtre) - ne puisse plus s'apprécier. Ce n'est pas un constat que je fais, je pose une interrogation qui me  semble importante et inquiétante.

Une des très grandes différences entre le théâtre et le cinéma, c'est que le temps au cinéma, et encore plus en ce qui concerne la télévision, est généralement décidé par la distribution, la production... et trop rarement par le réalisateur : ainsi cela va vite, cela doit aller vite, cela doit aller contre un temps généralement trop court. Le théâtre peut nous proposer des spectacles de 3h, de 5h, de 12h, de 24h ; le théâtre peut étirer un temps jusqu'à l'immobilisme et induire un possible ennui. Le théâtre est beaucoup de chose et échappe à de quelconques définitions : le théâtre peut proposer une absence de texte, peut proposer un éventuel immobilisme, peut proposer une incompréhension ; et malgré tout nous emmener à une écoute précieuse, pleine de pensées ouvertes sur un inconnu.. et c'est tant mieux.  

Ensuite il est nécessaire de préciser tout de même que le public de la cour d'honneur est égal à nul autre : chaque année l'un des spectacles fera "rendre l'âme aux vieilles pierres" ( Fabienne Pascaud dans son article consacré à "Papperlapapp"), et l'on décrétera à son encontre que le théâtre est mort, que c'est scandaleux vis à vis du passé... A ceci j'aimerais rappeler que la cour d'honneur n'est pas un lieu dévolu au théâtre, c'est un lieu difficile où l'on espère un miracle, mais ce miracle n'arrive jamais durant le festival, il arrive toujours quelques années après dans le souvenir du spectateur. On se souvient de ce spectacle mythique d'Antoine Vitez dans la cour, "le soulier de satin", de Valérie Dréville gagnant à vélo la cour à l'aube pour retrouver un public à moitié endormi et emmitouflé dans des duvets, avant qu'il ne soit debout à applaudir à tout rompre. On oubli qu'à l'époque, ce spectacle fit scandale, que le public partait en insultant les comédiens au passage. Les exemples de ce genre ne manquent vraiment pas. Et c'est peut-être là le signe qu'il s'est passé quelque chose d'important finalement. 

La légende du Wagadu - Ildévert Meda

Nouvelle création du CITO à Ouagadougou, la légende du Wagadu nous conte la déchéance d’un royaume, celui du Kaya Manga, qui abreuve ses prêtres du sang de la plus belle des vierges et cela tous les 7 ans. Kerfa le fou se fait le devoir de parler chaque nuit à l’encontre du pouvoir et de ces exécutions, Kerfa le fou n’est fou que parce que son discours diffère des lois établies par le royaume et cette folie intrigue, intéresse, ennuie et embarrasse le pouvoir. Voilà, au cœur d’un conte mauritanien, la figure d’Hamlet. Sauf que Kerfa ne cherche pas même la justice, non, juste l’anarchie. L’anarchie que propose la folie dans une société qui organise ses sacrifices. Et cet autre personnage, Sia, la jeune vierge qui se fera violer par les sept prêtres et qui maudira son prétendant corrompu par le pouvoir, Sia qui deviendra folle à son tour et parlera la nuit au peuple. Un conte admirable où la folie est cette parole totale, brûlante et désespérée : la seule parole possible face au pouvoir. Shakespeare n’est décidemment jamais bien loin.

AVIGNON IN 2009

"Ode Maritime" mis en scène par Claude Régy.

Un être tremble !

Un être tremble sur cette scène et pourtant un être immobile, parfaitement immobile pendant toute cette traversée mais les contours de cet être immobile deviennent friables, floues et abstraits ! Ce qu'il dit est lent et précis, d'une précision folle, ce qu'il dit est terrible, horrible, il s'autorise tout au travers de son imaginaire débordant.
Je suis attentif à chaque mot, à chaque souffle et à chaque couleur mais je pense au travers de ce qui se passe, je pense à l'appel maritime auquel Melville ne résiste pas dans Moby Dick et qui le conduira à un abîme. Je pense au sourire si dur à peindre pour Francis Bacon, plus dur à peindre qu'un cri. Je pense aux promenades de Robert Walser dans la neige, pas loin de l'hôpital psychiatrique où il séjourne. Je pense aux couleurs du cri de Munch, ce crépuscule rouge et chaotique qui déchire la nuit. Je pense à Madame Bovary, tout son être tremble également quand elle feuillette les pages de ses livres, son imagination la perd et la fait vivre.

Un être tremble !

Un être tremble dans ce décor abstrait qui évoque un quai devant la mer mais se perd ailleurs, dans le lointain. Un être tremble dans ce clair obscur, ses couleurs rouges, vertes, bleues... qui viennent par touches sur ce décor pas tout à fait visible donc.

La lumière enfle dangereusement et le noir final, un noir qui emporte tout et me laisse dévasté et heureux. Pendant un temps je ne sais plus trop quoi faire et où aller, hagard. Vite, sortir, et gagner la mer, l'océan, gagner ça et nager le plus loin possible ou juste m'étendre sur le sable, presque mort.
Je pense à ça alors que l'on applaudit à tout rompre le comédien ; et le vieil homme derrière moi qui a mis en scène ce spectacle applaudi aussi ce chef d'œuvre, on le reconnaît et on lui pose des questions, le félicite, il répond timidement en souriant comme un gamin de huit ans et finalement se sauve tranquillement. Je sors de la salle et reconnaît ce regard perdu et déplacé, cette fatigue et ce bonheur chez d'autres spectateurs.