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BLOODY NIGGERS raconte ça. Les massacres, les tortures des derniers siècles au nom de quoi, au nom de qui.

BLOODY NIGGERS est une compilation de données historiques dites avec sobriété travaillé ou proche du slam, dites au micro par trois personnes élégantes.

BLOODY NIGGERS demande une prise de conscience pour l’avenir, force l’attention du spectateur.

Un écran diffuse des images en relation, des images d’archives, des mots ou des phrases prises dans le discours. Donne au tout des allures de documentaire.

Cris de rage sur le résultat de l’indépendance Africaine depuis 40 ans.

Cette parole directe parfois remuante et toujours noble et lucide pose question/problème quant à son inscription dans l’espace théâtral. BLOODY NIGGERS se tient à son discours expose des faits des chiffres des citations des lois des situations sans en exploiter les résonances dans l’espace. Mais peut-être que cette parole âpre suffit. Peut-être aurait-il mieux valu s’en détacher pour l’inscrire sur le plateau et l’examiner l’analyser plastiquement corporellement. Doit-on au théâtre créer un temps et un espace poétique. Doit-on au théâtre laisser la parole chanter et remuer l’air. Le problème de BLOODY NIGGERS est que nous sommes dans une indécision face à cette question : jeter sa parole ou son corps dans l’espace. La pauvreté et la vacuité plastique de ce qui est tenté indique qu’il eu sans doute mieux valu laisser la parole seule.      

Auteur Dorcy Rugamba
Conception et adaptation Younouss Diallo
Mise en scène Jacques Delcuvellerie
Interprétation
Younouss Diallo, Dorcy Rugamba, Pierre Etienne
Avec la voix de Providence Rwayitare

Réalisation musicale Pierre Etienne
Scénographie Jacques Delcuvellerie et Johan Daenen
Conception éclairages Benoît Gillet
Assistant à la mise en scène Alfredo Cañavate
Réalisation et conception vidéo Jean-François Ravagnan
Aide à la réalisation sonore Jean-Pierre Urbano
Régie son Romain Gueudré
Régie lumières et vidéo Joachim Hesse
Assistante stagiaire Virginie Demilier

« C’est le banal, et c’est le plus simple banal, qui est profond et original (.) La banalité de la folie, la banalité de vivre avec une folle, de vivre avec un homme violent, la banalité d’un accident (…) Et ça doit être tellement vécu, on doit tellement voir la veine qui bat dans le cou… » [Ariane Mnouchkine, « Au jour le jour »]

Un espace bi frontal. Au milieu des deux murs de spectateurs, toujours visibles l’un pour l’autre, coule une mince zone de jeu.

A ces extrémités se trouvent les portes rideaux et au dessus de l’une d’elle est aménagé le balcon pour Jean-Jacques Lemêtre et ces instruments.   

Un des rideaux s’ouvre gracieusement. Pénombre. Des pousseurs amènent un grand cercle sur roulettes au centre. Un cercle déjà recouvert d’une moquette. Les comédiens arrivent avec lampes torches, outils et meubles. Ils installent le canapé, l’étagère, les plantes, les livres, les papiers par terre, les lampes qu’ils allument et éteignent. Une fois ce salon minutieusement construit sous nos yeux, il repart et disparaît derrière le rideau.

Lumière. Un petit chariot est amené par un pousseur. Une zone d’herbe, une vieille porte en métal bloquée par un galet, une femme qui est entrain d’y accrocher une pancarte de vente immobilière. Le chariot tourne sur lui-même, permet l’observation détaillée pour les deux murs de spectateurs.

Il s’agit du début du premier recueil des « éphémères ». Un spectacle en deux recueils de 3h15 chacun qui a faillit s’appeler « petits mondes et vastes palais ».

Le théâtre du soleil utilise à nouveau les chariots après « le dernier caravansérail » où tout était sur chariots même les comédiens. Ici, juste les lieux recréés avec un souci du détail, une authenticité, une vérité. Les comédiens passent d’un chariot à un autre pour passer du salon à la porte d’entrée ou du salon à la cuisine. Autour de ces chariots le vide de l’espace : l’imaginaire du public, celui des comédiens et surtout ce spectateur que nous voyons constamment de l’autre côté.

Ces cercles sur roulettes font penser à des extractions géologiques, signes du temps actuel et passé. La recherche d’une femme sur ses parents et grands parents pendant la guerre, la rencontre entre une petite fille et Sandra qui s’appelait autrefois Samuel, les problèmes de garde d’enfant suite à un divorce, les retrouvailles entre une jeune femme et son ancienne institutrice, la vente d’une maison, une naissance joyeuse…

Et agencer ces cercles en révolution au réalisme et aux détails presque maniaques à côté de ce vide revient à replacer l’homme comme détail de l’univers. Retrouver cette philosophie asiatique n’est bien sûr pas étonnant pour un théâtre qui puise ses inspirations, ses méthodes de travail et ses obsessions en Asie. 

Ariane Mnouchkine voulait faire un spectacle sur la bonté de l’être humain, un thème qui ne pouvait être abordé qu’à travers la perte. La perte de ces moments de vie qui s’estompent et disparaissent.   

Des instants justes et terriblement émouvants qui ne font que passer devant nous, qui s’éloignent dans la nuit pour s’évanouir tout à fait. 

« Il y avait les bavures, de notre vie pleine de bégaiements, d’oublis, d’accrochages… Ce spectacle parle de la mortalité, donc de l’infini, et du non fini aussi (…) » [Ibid.] 



http://www.theatre-du-soleil.fr/

« Further than the furthest thing » : titre original de ce texte de Zinnie Harris, auteur anglaise prometteuse, écrit en 2000.

Tristan da Cunha, île perdue au milieu de l’Atlantique et habitée d’une poigné d’homme. Des êtres qui se créent leur propre langage, leur propre grammaire. Bill s’est autoproclamé aumônier de l’île et sauve les habitants par la religion alors qu’un industriel anglais vient acheter l’île pour y installer ses usines de bocaux. Une histoire Claudelienne où le monde moderne (« la l’Angleterre ») vient se frotter à un monde plus simple fait de croisements culturels insolites.

Une histoire fabuleuse de déracinés, de déportés. Des êtres qui vont devoir émigrer de force en Angleterre pour être traités en anormaux, en consanguins.

Mais ce qui fait l’éclat de ce spectacle c’est particulièrement cette langue réinventée. Une langue faite de répétition, de contraction et d’oubli. Une langue purement théâtrale que les comédiens éjectent par leur corps. Une langue du D’dans comme le disent justement les traductrices françaises Dominique Hollier et Blandine Pélissier qui signent ici un travail remarquable.

« La force du langage réside dans son infirmité : son incapacité à dire ce qu’il veut dire. Il ne peut le dire qu’en le disant sans le dire : et c’est la poésie. […] C’est notre travail : sonder, découvrir, entendre cette vie que le texte révèle au-delà de lui-même. […] Quels sont ceux qui, organisant des mouvements de sons dans des rythmes de paroles écrites, suscitent de la vie. De la vie qui dure, nouvelle avec le temps. » (Claude Régy, Au-delà des larmes, les solitaires intempestifs, 2007, p38-39.)

Le langage de Zinnie Harris donne à entendre cette infirmité. Des variations viendront alors étayer la pièce à l’instar de Francis parlant tour à tour la langue de l’île et celle du monde moderne par espoir d’intégration.  

La mise en espace de Guy Delamotte est sobre, juste. Quelques horizontales parfois remplies de projections colorées. Des sons sourds rendant l’endroit évanescent et irréel. Cette impression d’être, comme Bill, sous l’eau et d’entendre différemment quelque chose d’étrange. 

« Dépasser les limitations du langage. » (Ibid., p.78.)

Mise en scène : Guy DELAMOTTE
Traduction : Dominique HOLLIER, Blandine PELISSIER

Comédiens :
Mill : Martine SCHAMBACHER
Rebecca : Véro DAHURON
Bill : Timo TORIKKA
Mr Hansen : Philippe MERCIER
Francis : Alex SELMANE

Décor : Jean HAAS
Costumes : Cidalia DA COSTA
Lumières : Laurent MATIGNON
Musique / son : Denis GAMBIEZ
Régie générale : Serge COQUAIS
Régie plateau : François BOHU