« L’Orestie » soit la seule trilogie des tragédies Grecques a avoir survécue. Cette trilogie d’Eschyle est composée de « Agamemnon », « les Choéphores » et « les Euménides ». Avec les entractes 6h de spectacle si vous voyez l’intégrale, un spectacle court pour Olivier Py si on compte les 12h des « vainqueurs », ou du « soulier de satin » repris justement la saison prochaine à L’Odéon.

« L’Orestie » soit la vengeance d’une mère, Clytemnestre, qui tue son mari Agamemnon pour avoir sacrifié leur fille Iphigénie. Suit la vengeance du fils, Oreste, qui tue sa mère Clytemnestre et l’amant de celle-ci Egysthe. Enfin nous voyons la réhabilitation d’Oreste suite à un procès, jusque là poursuivi sans relâche par la malédiction monstrueuse de la mère : les Erinyes. C’est tout simple.

Olivier Py signe la traduction de cette Orestie, lourde tâche parfaitement remplie. L’écriture va à l’essentiel de la narration et évite les fioritures. Olivier Py se fait également veilleur de sa mise en scène, il introduit la parole après avoir attendu les spectateurs.

Les décors sont superbes (signés comme d’habitude par Pierre-André Weitz) : noirs et métalliques, ils s’organisent avec harmonie et intelligence dramatique.

Le chœur est composé d’une soprano, d’une mezzo soprano, d’un ténor et d’un baryton ; il est accompagné sur scène par le quatuor Léonis et chante en grec ancien. Cette musique magnifique est signée Stéphane Leach, habituel compositeur du metteur en scène.   

Comme toujours Olivier Py affirme une emphase et un lyrisme sans contenance. De cette affirmation peut naître la grâce, la folle beauté, mais peut également être source d’un certain ridicule. Un équilibre difficile à trouver. C’est particulièrement le cas sur « Agamemnon » qui se complet dans l’hétéroclite le plus étonnant et le moins digeste.

La présence des éléments : les flammes descendants des cintres, les flammes du rite et de l’holocauste. La pluie suinte sur le sol à plusieurs reprises et pour la première fois sur l’arrivée d’Agamemnon dans sa DS noire ; outre ce moment étonnant où une porte s’ouvre sur l’extérieur rendant la rue parisienne visible, le rapprochement entre Agamemnon et un certain président français des années 60 est intéressant. La terre est foulé sur le plateau, le messager annonçant la fin de la guerre de Troie s’en recouvre. Le souffle des Dieux, le vent du mythe, l’air que dégage la parole.   

Iphigénie n’est qu’une ombre rouge, une silhouette mortuaire dont le visage sera à jamais voilé et oublié.

Les meurtres ont lieus dans une boîte blanche en pantomime et rituel écarlate, un castelet sanguinaire, le « hors scène » devenant focale accrue du meurtre.

Idée de mise en scène étonnante cette utilisation des miroirs que l’on tend aux personnages. Richard III demandait également un miroir chez Shakespeare, il voulait contempler cette fièvre du pouvoir, ce savoir absolue sur la marche du monde et des hommes. Si Oreste voit sans cesse son reflet c’est qu’il sait tout de son avenir qui lui a été révélé par l’Oracle, il peut se contempler alors même qu’il s’apprête à tuer sa mère.

Les retrouvailles entre Oreste et Electre dans la seconde partie (brillamment mise en scène) sont magnifiques. Des retrouvailles qui se font dans l’enlacement, ils ne voient pas leurs visages. Le meurtre de la mère est également brillant : Oreste apparaît nue et maudit sa mère blottit contre son sein.

Beaucoup d’humour pour cet Orestie : les élucubrations d’Egysthe joué par Michel Fau, le coryphée usant d’un mégaphone en manifestant du peuple, la nourrice d’Oreste comparant l’enfant au chien, le procès final avec Frédéric Giroutru jouant Athéna et le ridicule actuel de l’argument d’Apollon pour sauver Oreste (c’est le père qui ensemence, la mère n’est que le réceptacle).

Finalement cette invective d’Apollon face aux Erinyes : la justice et la parole christique (une parole propre à sauver l’homme qui l’écoute) face à l’archaïsme tribal de la vengeance et du sacrifice barbare.

C’est bien là le cœur de cette lecture « pyesque » : le cri rituel qui devient un cri de Joie. Le cri du sacrifice qui affirme la totalité, le cri christique et le cri du poète.


d'ESCHYLE

texte français et mise en scène OLIVIER PY

avec le regard amical de Daniel Loayza
décor, costumes et maquillage : Pierre-André Weitz
musique : Stéphane Leach
son : Thierry Jousse
lumière : Olivier Py avec Bertrand Killy

avec Anne Benoit, Nazim Boudjenah, Bénédicte Cerutti, Céline Chéenne, Michel Fau, Philippe Girard, Frédéric Giroutru, Miloud Khetib, Olivier Py, Alexandra Scicluna, Bruno Sermonne, Nada Strancar.
et Philippe Dreux, Thibault Fack, Stéphane Ferrand, François Grosz, Anne Henry, Thierry Lelièvre, François Zani.
le Choeur : Damien Bigourdan, Christophe Le Hazif, Mary Saint-Palais, Sandrine Sutter.
et le Quatuor Léonis : Guillaume Antonini, Alphonse Dervieux, Thomas Gautier, Jean-Lou Loger.

production Odéon-Théâtre de l'Europe, avec la participation artistique du Jeune Théâtre National.

Ils se marièrent et eurent beaucoup.

Texte de Philippe Dorin, essentiellement auteur de théâtre jeunesse (nominé aux Molières 2008) et nouvelle collaboration avec la metteuse en scène Sylviane Fortuny.

Histoire d’amour, peut-être on aimerait bien, un baiser qui voyage autour du monde à la recherche de la promise, on cherche ses mots, on découvre l’autre, la fille…

Devant le rideau rouge fermé deux comédiennes et deux comédiens qui se trouvent, chantent, parlent anglais, dansent, font ce qu’ils peuvent avec un texte qui n’est certainement pas le meilleur de Philippe Dorin (auteur du très beau « dans ma maison de papier, j’ai des poèmes sur le feu »). L’aspect music-hall un peu ringard, un peu cheap est parfois sympathique, parfois moins. Bien sûr si l’on compare ce spectacle à beaucoup d’autres créations pour le jeune public c’est un superbe travail drôle et parfaitement rodé faisant découvrir un auteur contemporain… Mais reste malgré tout un sentiment de surplace pour une histoire qui penche un peu trop vers le niais.    

Texte Philippe Dorin
Mise en scène Sylviane Fortuny
Assistée de Laure Duqué
Avec Carole Got, Philippe Orivel, Catherine Pavet, Jérôme Wacquiez
Costumes Sabine Siegwalt
Lumière Violaine Burgard
Musique Catherine Pavet
Régie Boualem ben Gueddach
Professeur de danse Caroline Roëlands

 

[critique de la présentation d'une étape de création présentée au CCN de Caen]

Troisième création de Radhouane El Meddeb après « Pour en finir avec moi » (2005) et « Hûwà, Ce lui » (2006).

Quelqu’un va danser. Annonce présomptueuse, racoleuse et narcissique. Le corps de Radhouane en solo est chargé de cette force là, cette emphase là quand les lumières de la rampe s’allument et que des applaudissements se font entendre. Un espace grandiloquent parfois et en gestation, en attente à d’autres endroits du spectacle.

A l’intérieur de cet espace le corps de Radhouane : corps ascétique, corps fière, corps déconcerté, corps en attente, corps traversé par la transe, la transe de la danse.

Presque un manifeste biographique, le corps passe par l’enfance et ses maladresses. Un corps qui apprend à marcher, qui apprend à danser, à se mouvoir dans l’espace. La mémoire du corps et d’une vie.

Ce n’est pas sans humour. Le corps en convulsion sur le lac des cygnes. Le corps pris de vertiges dans un espace festif et pompeux. Le corps pris d’une sensualité surjouée.

Et cette simplicité toujours superbe. Le corps en attente et cette lumière dont l’intensité augmente et diminue sensiblement. Une respiration.

Finalement il danse ce corps, il danse jusqu’au bout, il danse, il s’éclate dans la lumière, il se secoue de tout son possible, il sourit, il danse jusqu’au bout, jusqu’au noir, jusqu’à la disparition.      

Par La Compagnie de soi. Texte et narration : Camille de Toledo.
Conseil chorégraphique : Trisha Bauman. Sous le regard de Mathilde Monnier, Héla Fattoumi.  

« Je dois dire quelque chose. Je dois faire quelque chose. Faire une petite danse. Et là les danseurs entrent. »

L’urbanité sur la scène, des gens comme dans la rue disent-ils ces corps en costume de ville et de travail, ces corps qui progressent, se déplacent un peu et dansent à l’intérieur d’un rectangle noir délimité d’une bande blanche. Hors scène visible et tout aussi actif, on s’y assoit, parle et joue de la musique. Lumière crue et blanche parfois diffuse et jaune, beaucoup de contre créant des clairs obscurs séduisants sur les corps. « Montrer la personne » dit Gallotta.

Gallotta, danseur et chorégraphe français, signe avec ce spectacle le dernier épisode d’une trilogie après 99 duos (2002) et Trois générations (2004). Des gens qui dansent, un titre séduisant qui dit tout sur le spectacle. Des gens dansent « jusqu’au bout », des gens c’est-à-dire des danseurs professionnels mais aussi des amateurs. Une diversité urbaine qui simplement et avec beaucoup d’élégance étire le temps, installe une série de portrait réagissant en chœur ou en duos. Avec simplicité Gallotta s’installe une petite famille sur la scène et apprécie l’instant. Un danseur est seul sur scène, une danseuse le rejoint doucement. Un autre danseur fait quelques mouvements, frôle un corps qui le transforme, l’attire et le propulse ailleurs.

Le risque est de ne pas tenir cette étirement du temps et de faire alors du surplace, le rythme un peu trop malmené. Malgré tout la traversée de ces gens comme dans la rue qui regardent un couple qui danse, qui danse jusqu’au bout. Cette simplicité trop fragile étirée avec volupté comme une musique de Brian Eno. Ce clair obscur sur ces corps différents, ces âges différents en danse. Rencontres fragiles à la frontière de la rupture. Cette beauté là loin de tout spectaculaire comme à l’orée de l’événement, sa répétition, son avènement. Les danseurs entrent sur scène…                       

Pièce de Jean-Claude Gallotta
Avec Thierry Verger , Jean-Claude Gallotta , Cécile Renard , Darrell Davis , Françoise Bal-Goetz , Loriane Wagner , Ximena Figueroa , Benjamin Houal , Béatrice Warrand , Christophe Delachaux , Martin Kravitz , Camille Cau

Avec « Sombrero » il conte un voyage au pays des ombres : ombres comme duo en miroir, ombres portées, ombres chinoises, ombres numériques.

C’est un crescendo vers la complexité.

Si les premiers duos révèlent une technique précise mais « artisanal » les derniers jeux avec images filmées/projetées sont assez spectaculaires et débordent le corps des danseurs.

Le corps se double de son pendant numérique, c’est l’articulation entre ces deux corps qui provoque, qui fonde la danse.

L’exemple le plus simple est la projection du corps face d’un danseur sur son dos : retrouver le sexe de cet homme sur ses fesses fait bien sûr beaucoup rire.

Le problème est certainement là.

Decouflé ne peut s’empêcher de jouer la carte de la dérision.

Petits sketchs viennent ainsi ponctuer le spectacle avec en vedette Christophe Salengro connu comme président du Groland sur Canal +.

C’est parfois réussi, parfois moins.

Reste au final une impression de grand spectacle sympathique.


Chorégraphie de Philippe Decouflé
Musique de Brian Eno
Avec Philippe Decouflé, Clémence Galliard, Sébastien Libolt, Alexandra Naudet, Aurélia Petit en alternance avec Manon Andersen, Christophe Salengro, Olivier Simola, Christophe Waksmann